La sortie en copie numérique restaurée du Macbeth d’Orson Welles vient faire logiquement suite à celle d’Othello, en début d’année.
Le cinéaste affectionnait Shakespeare. Il l’adapta trois fois, en comptant Falstaff, fusion de plusieurs pièces. Macbeth précède Othello de quatre ans. Le second a connu un tournage long et mouvementé. A l’inverse, Macbeth fut réalisé dans la rapidité et dans une grande économie de moyens.
Il est intéressant de comparer les deux œuvres pour observer la diversité des styles dont Welles a fait usage. Grâce à Citizen Kane, il fut désigné comme héraut de la modernité cinématographique, notamment par la critique française, André Bazin en tête. Ses films restent célèbres chez la plupart des cinéphiles pour leur usage novateur du plan-séquence et de la profondeur de champs. La nouvelle sortie d’Othello a permis d’observer qu’il ne se limitait pas à ça et pouvait recourir au besoin à un montage rapide et haché. En revanche, dans Macbeth, tout ce qui a établi la réputation de Welles est bien présent.
Pour réaliser son film, le cinéaste doit travailler avec un budget serré. De surcroît, le film est produit par le studio Republic Pictures, spécialisé dans la série B. Dans Othello, Welles opérera de manière à tirer le film loin de son origine théâtrale. Au contraire, dans Macbeth, tout fait signe vers le théâtre.
Le film multiplie les plans-séquences. Le temps de capture de la scène est alors ce qui s’approche le plus du regard d’un spectateur de théâtre où il n’y a, bien sûr, ni coupes ni montage.
Ce style de mise en scène par plan-séquence a toujours bénéficié d’un grand prestige pour diverses raisons : il permet avant tout de faire preuve de virtuosité. Organiser un plan de dix minutes avec une caméra mouvante et de nombreux éléments en action suppose bien sûr une grande préparation et comporte beaucoup d’imprévus à gérer. Également, le plan-séquence fut identifié par Bazin comme plus respectueux d’une supposée ontologie de l’image photographique. Pour aller très vite, le cinéaste qui en use ne « triche » pas avec le réel. Le montage, à l’inverse, relève d’une manipulation forcément suspecte. Là n’est pas le lieu pour revenir sur tout ce que les bouleversements technologiques – au premier rang desquels le numérique – viennent chambouler dans cette pensée du cinéma. Il n’empêche, elle reste tout à fait pertinente s’il s’agit d’attester de la virtuosité, chez Orson Welles.
Plus particulièrement ici, la scène du meurtre du roi par le protagoniste est un exemple de maîtrise. Welles y cumule un plan-séquence et l’utilisation de la profondeur de champ : ainsi, Macbeth s’enfonce dans le champ tandis que Lady Macbeth occupe le premier plan. Le meurtre se produit dans la chambre du roi. Celle-ci est comprise à l’intérieur du cadre, bien que les éléments du décor viennent masquer le crime. Une telle séquence n’a rien perdu de la puissance en 2014. Par ailleurs, en dépit des nouveautés technologiques et de l’hégémonie du montage épileptique sur l’ensemble des films (influence télévisuelle oblige), le plan-séquence continue de faire des merveilles. Il permet de laisser se déployer une énergie sur la durée, et c’est très souvent un moyen sûr de gagner en intensité (rien qu’à voir, récemment, Tokyo Tribe).
Orson Welles renvoie aussi son Macbeth vers son origine théâtrale en concentrant l’action sur un petit nombre de lieux. Surtout, les décors de carton-pâte ne tendent pas au réalisme parfait. Ils ne mentent pas sur leur caractère factice, tout en faisant suffisamment « vrai » pour ne pas sortir complètement le spectateur du film. Se tenant sur ce point d’équilibre entre simulation du réel et aveu du simulacre, Macbeth peut tout à fait être vu comme annonciateur des effets de distanciation qui vont proliférer dans le cinéma des années 70.
Ce qui fascine particulièrement aujourd’hui dans ce film, c’est son caractère fortement expressif. Welles ne change pas ses habitudes : les angles de vue sont très accentués, les contrastes forts. Mais surtout, le cinéaste travaille avec de la matière terreuse, à l’exemple de la saisissante séquence d’ouverture où les trois sorcières façonnent dans un chaudron une poupée de glaise à l’effigie du héros. Il y a là une épaisseur, une densité des textures, jusque dans les volutes de fumée. Cette épaisseur se manifeste jusque dans les sons et les voix gutturales. Les personnages sont vêtus de peaux de bête, ils évoluent dans des grottes, et les décors semblent faits de terre à peine séchée, conférant au film un caractère primitif et artisanal. Pasolini effectuera un travail similaire avec ses films tirés de mythes antiques (Œdipe Roi, Médée, etc). La matière déborde de chaque plan et tout cela concourt à faire de Macbeth un film beau comme de la lave en fusion.
Note: 
